Découvert grâce à Lutherie Urbaine (que je remercie ici), voici Mécaphonies, une installation sonore créée le 15 mai 2008 au Manège de Reims, dans le cadre d'un "Grand Soir", rendez-vous régulier organisé par le Studio Césaré et le Manège de Reims. 

Mécaphonies est un projet qui s’articule autour de 7 sculptures-machines de Laurent Golon pilotées, par le truchement d’une carte MIDI, par un ordinateur qui exécute des partitions de Jean-Marc Chouvel.Le dispositif est enrichi par un système sonore de diffusion qui fait entendre simultanément des séquences électro-acoustiques. Ces séquences s’intègrent d’autant mieux qu’elles ont été composées à partir d’enregistrements des sculptures réalisés à l’atelier. Chaque moment musical propose donc la rencontre de deux types de sons : le premier est stable, puisque enregistré, l’autre est plus aléatoire car il met en œuvre des mécaniques soumises à des forces contradictoires : pour une même commande de la carte, les sculptures produisent en effet à chaque fois unévénement sonore différent.

Mécaphonies#3 constitue une évolution du deuxième dispositif, avec bérimcell', présenté aux Instants Chavirés à Montreuil (93). La possibilité nous a été offerte d'approfondir le travail de sonorisation des sculptures à l'occasion d'une résidence au studio Césaré à Reims. Il s'agissait d'adapter le dispositif à un lieu tel que le cirque du Manège de Reims (un des cirques d'hivers du XIXe siècle les mieux préservés).

Le Berimcell' est un instrument hybride, inventé par Loran Brunet. Il allie les possibilités du Violoncelle, en particulier avec l’archet frotté, et celles du Berimbao, un instrument traditionnel brésilien. Les possibilités de cet instrument sont exceptionnelles, et la palette de sonorités accessibles extrêmement étendue. Laurent Brunet le joue habituellement avec l’archet préparé, un archet à quatre faces utilisé pour la première fois par Jean-Marc Chouvel dans une pièce pour violoncelle et dispositif : De ma fenêtre.

Du lundi 27 au vendredi 31 août 2012 de 14h à 17h, aura lieu le stage "Construire un instrument de musique de son choix" au Lull (Lutherie Urbaine Le Local). Au programme Flutes Hydrauliques, Guitare à touche, Violon à clou, Machine instrumentale et autres instruments insolites... L'atelier a d'ores et déjà fait le plein de participants et voici les premières photos des apprentis luthiers en action.

Pour faire suite à la note consacrée à l'artiste Stéphane Dubois, voici quelques images des recherches d'Alexander Lautewasser sur les formes générées par le son.

Chladni, un chercheur de la fin du XVIIIe siècle, a été le premier à soumettre une plaque de verre recouverte de sable à des vibrations, montrant ainsi que les sons peuvent créer des figures. En reprenant ces expériences, j’ai constaté qu’une plaque elliptique soumise à des vibrations sonores données permet de reproduire des figures qu’on trouve sur la carapace d’une tortue. On répand du sable sur une plaque puis on soumet celle-ci à des vibrations de différentes fréquences. Les grains de sable s’agencent différemment selon la hauteur du son, formant de nouvelles figures. J’ai pu ainsi constater par moi-même que les oscillations et les sons peuvent effectivement donner naissance à des figures et donc que les vibrations et les rythmes jouent peut-être un rôle essentiel dans le développement des formes qu’on rencontre dans la nature. Comme le sable, l’eau prend aussi des formes extraordinaires lorsqu’elle est soumise à des vibrations. Rien qu’avec une goutte d’eau, on voit déjà très bien que les vibrations entraînent différentes déformations de l’eau. On dépose une goutte d’eau dans la coupe, puis on la soumet à des vibrations à l’aide d’un générateur de fréquences et d’un transducteur acoustique. Immédiatement, on constate que des déformations magnifiques se produisent au sein de la goutte d’eau dans un mouvement rythmique très oscillant. Le phénomène de déformation d’une goutte d’eau par des sons est également fascinant. Une vibration verticale, même de très faible intensité, provoque une déformation polaire de type élévation- dépression au centre de la goutte. Mais sa forme générale reste parfaitement ronde grâce aux tensions de surface. On voit bien la montée et la descente. Une petite bulle d’air s’est même formée. Cela indique que l’intérieur de la goutte est soumis à d’autres mouvements, totalement différents de ceux qui s’exercent à la surface.
Il est intéressant de noter qu’en modifiant la fréquence, on modifie les figures géométriques qui se forment au gré des oscillations de la goutte.Les figures qui apparaissent à la surface sont caractérisées par le chiffre 4. Si l’on soumet l’eau à différentes hauteurs de sons, on constate que chaque hauteur engendre des figures géométriques totalement différentes. On voit ici des déformations caractérisées par le chiffre 5. Il y a toujours deux phases : dans la première, la pointe monte, dans la deuxième, elle descend. Mais l’ensemble suit toujours une figure en cinq temps. On peut générer des figures à différents temps selon la hauteur et la fréquence. Si l’on observe le même phénomène non plus d’en haut, mais de côté, on constate que les montées et les descentes de l’enveloppe correspondent aux différentes formes que prend la goutte d’eau. On voit bien que l’élévation centrale se forme aux oscillations descendantes paires et les élévations latérales aux oscillations impaires. Ce n’est pas un agencement synchronisé mais une alternance rythmique. Les vibrations mécaniques et les déformations ne sont pas synchronisées.
Voici une déformation très spectaculaire. La goutte commence par osciller de manière irrégulière puis prend soudain une forme hexagonale magnifique. Une règle fondamentale : plus le son est haut, plus les figures qu’il engendre sont complexes et différenciées.Cette déformation est unique. Jusqu’à présent, je n’ai encore jamais pu la reproduire. La goutte a d’abord vibré de manière irrégulière. Je pensais que ça ne donnerait rien d’intéressant puis quelque chose d’exceptionnel s’est produit. La goutte s’est allongée et a pris une forme qui rappelle beaucoup la structure des invertébrés. D’autres tableaux d’une beauté toute contemplative se forment lorsqu’on soumet une coupelle entièrement remplie d’eau à des vibrations sonores. Une caméra placée au-dessus de la coupelle a permis d’enregistrer les images suivantes.

On le voit encore ici : la figure se forme très lentement par pulsation. On distingue différents segments de spirale et l’ensemble suit un mouvement complexe. On voit ici à quel point il est difficile d’obtenir une figure symétrique parfaitement ronde. On est toujours obligé de moduler l’intensité et la fréquence, en fonction de la quantité d’eau, avant d’obtenir une figure aux oscillations régulières. On peut reproduire ce phénomène à l’aide des sons émis par un générateur sinusoïdal, mais aussi avec de la musique. Ces images-là sont les plus fascinantes et les plus vivantes parce que les figures changent à chaque seconde. Après avoir constaté que la magnifique carapace de cet animal présente de nombreuses similitudes avec les figures classiques de Chladni, on peut se demander si le monde lui-même, ses formes et ses figures n’ont pas été créées par des vibrations et des oscillations sonores, comme de nombreux mythes d’un peu partout le racontent. "La morphogenèse et les vibrations sonores ”, voire “ la musique ” ferait un sujet de recherches passionnant.

Joueurs d’angklung
Dessin d'Emile Bayard paru dans L'Illustration en 1889.

C'est un petit instrument plutôt discret, aux possibilités mélodiques réduites mais pourtant particulièrement fascinant. D'après Wikipedia, l'angklung, angklung kocok ou angkalung est à la fois un instrument de musique en bambou et un ensemble de musiciens l'utilisant. Il s'agit d'un hochet complexe d'Indonésie populaire dans toute l'Asie du Sud-Est. Il se compose de deux ou trois sections de bambou servant de résonateurs, attachés et maintenus par un ensemble d'autres petites sections de bambou, plus fines, elles-mêmes reliées à un cadre, faisant office de portique. Il en existe toute une série allant de vingt centimètres à plus d'un mètre. On obtient de la musique de l'angklung en le secouant, faisant ainsi claquer les résonateurs de bambou sur les montants. Chaque instrument produit ainsi deux ou trois notes. Il est souvent disposé en série croissante si bien qu'au lieu d'avoir un ou deux instruments par musicien, ce dernier pourra en manipuler plusieurs dizaines. Généralement, trois personnes ou plus ont un angklung dans leurs mains, qui produisent des sons sur différents tons. De cette façon, il est possible de jouer une mélodie pentatonique complète.

L'un des pionniers de la lutherie expérimentale en France, le musicien et musicologue  Robert Hébrard, s'est intéressé aux possibilités musicales de l'angklung. Après plusieurs séjours d'études musicales à Bali, Robert Hébrard abandonne l'enseignement de la philosophie pour se consacrer uniquement à la musique : facture instrumentale, enseignement, composition, concerts. Au croisement des traditions d'Afrique, d'Indonésie et d'Europe, il crée une famille de percussions mélodiques en bois, bambou, pierre, peaux et parfois métal.

C'est dans ce même esprit qu'a été conçu l'Orgue à angklungs, un instrument original qui permet à un musicien soliste, contrairement à l'angklung originel, de jouer tous les répertoires possibles, sur une gamme chromatique couvrant 3 octaves. L'instrument chante comme un orgue bien qu'il n'ait aucune soufflerie et que le son soit produit par une pluie de petites percussions. Les photos qui suivent ont été prises lors d'une rencontre avec Robert Hébrard dans le Village Musical de Ribambelle à Rennes-le-Château pour la préparation du livre Chercheurs de sons. Le dessin de l'Orgue à angklungs tiré du même ouvrage est de Vincent Brunot.

Si vous habitez Lyon ou si vous passez par là, n'oubliez pas d'aller visiter l'atelier de Lionel Stocard, (dont j'ai déjà eu l'occasion de parler ici-même). Du 10 septembre au 10 octobre, l'artiste ouvre les portes de son antre. Une occasion unique de découvrir ou de redécouvrir des objets sonores le plus souvent inspirés par le rêve.

Révibracléide

Gaston Lagaffe est de retour ! Et même si les planches rassemblées dans ce nouvel album, "Lagaffe en musique", édité par Marsu Productions,  ne sont pas inédites, c'est toujours un plaisir de retrouver le roi des gaffeurs dans ses oeuvres, surtout si comme ici elles sont inventives et  musicales.

Le gaffophone est bien sûr à l'honneur mais on rencontre aussi des inventions moins connues (sauf des complétistes qui possèdent déjà l'intégrale des albums) comme le moteur à pistons et la porte à tambour.

Antoine de Caunes s'est fendu d'une préface dans laquelle il explique que pour lui  " Le gaffophone, c’est le rock tel qu’il fut perçu quand il débarqua en France : comme un vent de panique... " et il ajoute "« Et Gaston, (…) c’est le pape du rock ». Pour moi, il serait plutôt le grand frère de la lutherie sauvage et de  la musique expérimentale. Les planches sont classées par ordre chronologique et ont été recolorisées par Frédéric Jannin. Une citation en relation avec la musique est placée en exergue. En cadeau, sur le site de l'éditeur, on peut entendre deux chansons inédites en relation avec Gaston Lagaffe, interprétées par Yvan Delporte : "La morue aux fraises" et "Les Papous".

A l’occasion de la sortie de l'album "Lagaffe en musique", les lecteurs un peu musiciens peuvent envoyer leur version d’une des chansons (ou les deux) de Yvan Delporte (rédateur en chef de Spirou de 1956 à 1968), et les meilleurs reprises gagneront des ouvrages collector Gaston 1971 VO ainsi que de nombreux lots Pixi. Pour ce faire, envoyez vos MP3 à l'adresse concours@gastonlagaffe.com. Les gagnants seront avertis par email le 30 septembre 2012.

En ces temps de crise du disque, de mort annoncée du compact disque, on ne dira jamais assez le courageux travail de défrichage des petits labels, qui continuent contre vents et marée à publier des enregistrements de musiques hors les normes. C'est le cas de Prêle Records, micro label avec sept références à son catalogue, dont trois ressortent du domaine qui nous occupe ici, la lutherie expérimentale. Deux d'entre eux ont déjà été présentés ici-même, L'Orgue de bois, de Denis Tricot et Eric Cordier, et Nelki, musiques pour bols chantants en cristal, de Frédéric Nogray.

Avec Ziph, musiques pour trompes et ballons, Prêle Records poursuit son exploration des musiques aventureuses. Mais d'abord, le Ziph, kézaco ? Thierry Madiot, son inventeur, l'a peut-être nommé ainsi en référence au zéphyr, ce vent d'ouest très doux et agréable, devenu curieusement vent violent sous sa dénomination populaire de zef. Quelle que soit son origine, le Ziph est un instrument simplissime, uniquement constitué de 3 éléments, un ballon de baudruche reliant un rouleau de revêtement de sol à un anneau. Sur des compositions de Thierry Madiot, un orchestre variant de 2 à  13 instrumentistes invente une musique hypnotique de bourdonnements et d'harmoniques, drone music électronique jouée sur des instruments acoustiques.

Je sais, je sais, je vous préviens bien tardivement, la Fête de la Musique a lieu aujourd'hui même et ça vous laisse peu de temps pour venir à Arles. Mais en vous dépêchant, vous arriverez juste à temps pour voir et entendre Sébastopol, l'homme orchestre, invité de la Médiathèque d'Arles. Ce n'est pas souvent qu'on a la chance de découvrir un one man band de cette pointure, alors, pour tous ceux qui seraient par là, petit état des festivités à venir : à 17h, première prestation dans la rue de la République devant le Museon Arlaten, suivie à partir de 18h d'un concert-rencontre à la Médiathèque, Place Félix Rey.

Pour ceux qui ne le connaîtraient pas déjà, Sébastopol est un homme-orchestre qui s'inscrit dans la grande tradition des one man band américains. Il s'est intéressé en particulier au travail de collectage effectué par Alan Lomax fils pour les archives sonores de la Bibliothèque du Congrès dans les années 50 auprès de différentes communautés. Les premiers enregistrements d'Alan Lomax père dans les années 30 se firent surtout dans les pénitenciers ainsi que dans des comtés ruraux du sud du pays  où furent recueillis des chants de prisonniers, mais aussi de travailleurs noirs des plantations du sud et de travailleurs d'origine et de culture hispaniques.

Comme de nombreux hommes-orchestres, Sébastopol joue de la guitare et de l'harmonica, mais aussi du ukulélé et du banjo, et également de nombreux instruments bricolés parmi lesquels la cafetière en si bémol, la batterie multi-bidouilles, la contrebasse de fumisterie et la pompe à vélo jazzoflûte. Son répertoire va du blues au gospel, en passant par la musique cajun, la country avec un soupçon de parfum hawaïen ou oriental.

Le trio de plaques amplifiées Les Phasmes sera du 12 au 17 juillet à 20h 30 aux Hauts Plateaux, 4, rue des Escaliers Sainte Anne, Avignon. Les Phasmes ce sont trois musiciens,  Pierre Coiffard, Serge Innocent, Guigou Chenevier, sur une création sonore d'Emmanuel Gilot et une production du Collectif Inouï. De la musique concrète improvisée sur des plaques de verre, de bois et de métal, et avec l'aide de toutes sortes d'objets du quotidien.

Ma note d'hier consacrée aux Phasmes m'a donné envie de poursuivre l'exploration du jeu musical sur plaques vibrantes. Les Phasmes ne sont pas les seuls musiciens à s'être intéressés à cet objet sonore. 

Denys Vinzant, est un compositeur né le 27 Novembre 1955 à Grenoble. Etudes au Conservatoire National de Région de Grenoble - harmonie, contrepoint, fugue, orgue, histoire de la musique - puis au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris - écriture, analyse avec Betsy Jolas, composition et recherches en musique électro-acoustique avec Guy Reibel. Il fait partie, depuis 1985, du collège des compositeurs permanents de Grame - Centre National de Création Musicale à Lyon - ainsi que de l'équipe pédagogique du studio. Il enseigne au Conservatoire National de Région de Saint-Etienne où il est professeur titulaire de la classe de composition en musique électro-acoustique.

"Partitions cristal", "Livre de verre", "D'ore et d'espace", "Sources" et "Spirale", sont des oeuvres à la fois sonores et visuelles.

Dans "Spirale, vert luisant, goutte d'eau",  il s'agit de partitions écrites à l'encre dorée sur des plaques de verre qui vibrent et produisent elles-mêmes le son, sans l’aide de haut-parleurs. Grâce à un transducteur piézoélectrique fixé sur la plaque de verre, le son se propage à la surface de la plaque qui joue le rôle de la membrane du haut-parleur - magie du son qui vient de partout et de nulle part.

Suite de mes notes sur les plaques sonores avec les plaques musicales inventées par Philippe Chaignon. Formé auprès des plus grands percussionnistes classiques et jazz (Gualda, Kenny Clark…), ainsi qu’à différentes percussions ethniques dont il a perfectionné la pratique par des voyages et des échanges autour de musiques du monde), Philippe Chaignon a à son actif une carrière de plus de 30 ans d’interprète (du solo à l’orchestre), dans les styles de musique les plus variés (allant du symphonique à la musique contemporaine,en passant par le jazz). Mais son activité principale est la création.

Il a créé plusieurs objets sonores, dont un instrumentarium en porcelaine équipé de capteurs. Les plaques musicales de Philippe Chaignon sont fixes ou portatives. Elles ont chacune un son acoustique propre, (bois, métal, plastique, cuivre, ressorts, etc... ) Lorsque celles-ci sont touchées, grattées ou frappées, le son nous parvient avec la même pureté et la même authenticité que si le matériau résonnait de loin “au creux de notre oreille “. Les utilisations artistiques et pédagogiques de cet instrument sont multiples. 

Extrait sonore ici.

Au préalable de toutes les recherches contemporaines autour des plaques sonores, impossible de ne pas citer le nom d'Ernst Chladni. Ernst Florens Friedrich Chladni, né le 30 novembre 1756 à Wittenberg, mort le 3 avril 1857 à Breslau, est un physicien allemand qui étudiait expérimentalement les vibrations de plaques en les saupoudrant de sable fin.

Il obtenait ainsi des figures acoustiques auxquelles son nom est associé aujourd'hui.

A la suite des travaux de Chladni, cette traduction du son en images a donné lieu à de nouvelles recherches, synthétisées par Hans Jenny sous le nom de cymatique.

Devant la richesse de l'iconographie (bientôt rassemblée en album), voici une nouvelle note (exclusivement visuelle) sur les plaques musicales d'Ernst Chladni.

Figures de Chladni

Rencontre entre Napoléon et Chladni en 1808

Dernière note de l'été dédiée aux plaques musicales avec les oeuvres de l'artiste Stéphane Dubois. Ici, il ne sera pas à proprement parler de "plaques sonores" mais de "fleurs de sable" et de "mandalas d'eau". Installé dans le Sud Est, le plasticien Stéphane Dubois poursuit depuis de nombreuses années un travail ambitieux dans lequel invention d'instruments et expression picturale sont étroitement liés.

Tambour

Depuis 1998 je conçois et réalise des objets sonores par souci de mise en résonance entre le masculin et le féminin exprimée jusque là par des rapports de formes pures dans mes sculptures-modelages. Depuis cette période, le rituel pictural (et les réalisations qui en résultent) associe délibérément le tambour et la toile (série "peaux végétales").

Peau végétale

Parmi les nombreux instruments réalisés, citons différentes caisses de résonance pour tambour  : "montgolfière" : caisse en verre réalisée à partir d'une bombone (de 25 litres), peau de chèvre et caisse de résonance basse à partir d'une cloche en verre suspendue ; "turbine" : réalisations à partir de formes en terre cuite et/ou résine favorisant un son long et riche en harmoniques ; "gendir": bendir géant de un mêtre de diamètre réglable en hauteur, en horizontalité et en tension. Ces tambours sont utilisés pour la création de "Fleurs de sable".

Fleur de sable

Depuis 2004 j'ai également développé des outils de visualisation du son (cimatique) qui permettent d'apprécier pleinement le lien intime unissant la forme et l'univers sonore : ces outils utilisent différentes substances (poudres, sables, liquides) et différentes modalités activatrices (percussion, voix et micro, générateur de fréquences) ainsi que différentes présentations (exposition photo, performances directes ou projection et diffusion, installations interractives). La matière sonore ainsi mise en oeuvre donne naissance à des formes et images qui offrent d'hypnotiques et étonnantes résonances à notre cosmos intérieur.

Mandala d'eau

Mandala d'eau

Découvert grâce à Lutherie Urbaine (que je remercie ici), voici Mécaphonies, une installation sonore créée le 15 mai 2008 au Manège de Reims, dans le cadre d'un "Grand Soir", rendez-vous régulier organisé par le Studio Césaré et le Manège de Reims. 

Mécaphonies est un projet qui s’articule autour de 7 sculptures-machines de Laurent Golon pilotées, par le truchement d’une carte MIDI, par un ordinateur qui exécute des partitions de Jean-Marc Chouvel.Le dispositif est enrichi par un système sonore de diffusion qui fait entendre simultanément des séquences électro-acoustiques. Ces séquences s’intègrent d’autant mieux qu’elles ont été composées à partir d’enregistrements des sculptures réalisés à l’atelier. Chaque moment musical propose donc la rencontre de deux types de sons : le premier est stable, puisque enregistré, l’autre est plus aléatoire car il met en œuvre des mécaniques soumises à des forces contradictoires : pour une même commande de la carte, les sculptures produisent en effet à chaque fois unévénement sonore différent.

Mécaphonies#3 constitue une évolution du deuxième dispositif, avec bérimcell', présenté aux Instants Chavirés à Montreuil (93). La possibilité nous a été offerte d'approfondir le travail de sonorisation des sculptures à l'occasion d'une résidence au studio Césaré à Reims. Il s'agissait d'adapter le dispositif à un lieu tel que le cirque du Manège de Reims (un des cirques d'hivers du XIXe siècle les mieux préservés).

Le Berimcell' est un instrument hybride, inventé par Loran Brunet. Il allie les possibilités du Violoncelle, en particulier avec l’archet frotté, et celles du Berimbao, un instrument traditionnel brésilien. Les possibilités de cet instrument sont exceptionnelles, et la palette de sonorités accessibles extrêmement étendue. Laurent Brunet le joue habituellement avec l’archet préparé, un archet à quatre faces utilisé pour la première fois par Jean-Marc Chouvel dans une pièce pour violoncelle et dispositif : De ma fenêtre.

Du lundi 27 au vendredi 31 août 2012 de 14h à 17h, aura lieu le stage "Construire un instrument de musique de son choix" au Lull (Lutherie Urbaine Le Local). Au programme Flutes Hydrauliques, Guitare à touche, Violon à clou, Machine instrumentale et autres instruments insolites... L'atelier a d'ores et déjà fait le plein de participants et voici les premières photos des apprentis luthiers en action.

Pour faire suite à la note consacrée à l'artiste Stéphane Dubois, voici quelques images des recherches d'Alexander Lautewasser sur les formes générées par le son.

Chladni, un chercheur de la fin du XVIIIe siècle, a été le premier à soumettre une plaque de verre recouverte de sable à des vibrations, montrant ainsi que les sons peuvent créer des figures. En reprenant ces expériences, j’ai constaté qu’une plaque elliptique soumise à des vibrations sonores données permet de reproduire des figures qu’on trouve sur la carapace d’une tortue. On répand du sable sur une plaque puis on soumet celle-ci à des vibrations de différentes fréquences. Les grains de sable s’agencent différemment selon la hauteur du son, formant de nouvelles figures. J’ai pu ainsi constater par moi-même que les oscillations et les sons peuvent effectivement donner naissance à des figures et donc que les vibrations et les rythmes jouent peut-être un rôle essentiel dans le développement des formes qu’on rencontre dans la nature. Comme le sable, l’eau prend aussi des formes extraordinaires lorsqu’elle est soumise à des vibrations. Rien qu’avec une goutte d’eau, on voit déjà très bien que les vibrations entraînent différentes déformations de l’eau. On dépose une goutte d’eau dans la coupe, puis on la soumet à des vibrations à l’aide d’un générateur de fréquences et d’un transducteur acoustique. Immédiatement, on constate que des déformations magnifiques se produisent au sein de la goutte d’eau dans un mouvement rythmique très oscillant. Le phénomène de déformation d’une goutte d’eau par des sons est également fascinant. Une vibration verticale, même de très faible intensité, provoque une déformation polaire de type élévation- dépression au centre de la goutte. Mais sa forme générale reste parfaitement ronde grâce aux tensions de surface. On voit bien la montée et la descente. Une petite bulle d’air s’est même formée. Cela indique que l’intérieur de la goutte est soumis à d’autres mouvements, totalement différents de ceux qui s’exercent à la surface.
Il est intéressant de noter qu’en modifiant la fréquence, on modifie les figures géométriques qui se forment au gré des oscillations de la goutte.Les figures qui apparaissent à la surface sont caractérisées par le chiffre 4. Si l’on soumet l’eau à différentes hauteurs de sons, on constate que chaque hauteur engendre des figures géométriques totalement différentes. On voit ici des déformations caractérisées par le chiffre 5. Il y a toujours deux phases : dans la première, la pointe monte, dans la deuxième, elle descend. Mais l’ensemble suit toujours une figure en cinq temps. On peut générer des figures à différents temps selon la hauteur et la fréquence. Si l’on observe le même phénomène non plus d’en haut, mais de côté, on constate que les montées et les descentes de l’enveloppe correspondent aux différentes formes que prend la goutte d’eau. On voit bien que l’élévation centrale se forme aux oscillations descendantes paires et les élévations latérales aux oscillations impaires. Ce n’est pas un agencement synchronisé mais une alternance rythmique. Les vibrations mécaniques et les déformations ne sont pas synchronisées.
Voici une déformation très spectaculaire. La goutte commence par osciller de manière irrégulière puis prend soudain une forme hexagonale magnifique. Une règle fondamentale : plus le son est haut, plus les figures qu’il engendre sont complexes et différenciées.Cette déformation est unique. Jusqu’à présent, je n’ai encore jamais pu la reproduire. La goutte a d’abord vibré de manière irrégulière. Je pensais que ça ne donnerait rien d’intéressant puis quelque chose d’exceptionnel s’est produit. La goutte s’est allongée et a pris une forme qui rappelle beaucoup la structure des invertébrés. D’autres tableaux d’une beauté toute contemplative se forment lorsqu’on soumet une coupelle entièrement remplie d’eau à des vibrations sonores. Une caméra placée au-dessus de la coupelle a permis d’enregistrer les images suivantes.

On le voit encore ici : la figure se forme très lentement par pulsation. On distingue différents segments de spirale et l’ensemble suit un mouvement complexe. On voit ici à quel point il est difficile d’obtenir une figure symétrique parfaitement ronde. On est toujours obligé de moduler l’intensité et la fréquence, en fonction de la quantité d’eau, avant d’obtenir une figure aux oscillations régulières. On peut reproduire ce phénomène à l’aide des sons émis par un générateur sinusoïdal, mais aussi avec de la musique. Ces images-là sont les plus fascinantes et les plus vivantes parce que les figures changent à chaque seconde. Après avoir constaté que la magnifique carapace de cet animal présente de nombreuses similitudes avec les figures classiques de Chladni, on peut se demander si le monde lui-même, ses formes et ses figures n’ont pas été créées par des vibrations et des oscillations sonores, comme de nombreux mythes d’un peu partout le racontent. "La morphogenèse et les vibrations sonores ”, voire “ la musique ” ferait un sujet de recherches passionnant.

Joueurs d’angklung
Dessin d'Emile Bayard paru dans L'Illustration en 1889.

C'est un petit instrument plutôt discret, aux possibilités mélodiques réduites mais pourtant particulièrement fascinant. D'après Wikipedia, l'angklung, angklung kocok ou angkalung est à la fois un instrument de musique en bambou et un ensemble de musiciens l'utilisant. Il s'agit d'un hochet complexe d'Indonésie populaire dans toute l'Asie du Sud-Est. Il se compose de deux ou trois sections de bambou servant de résonateurs, attachés et maintenus par un ensemble d'autres petites sections de bambou, plus fines, elles-mêmes reliées à un cadre, faisant office de portique. Il en existe toute une série allant de vingt centimètres à plus d'un mètre. On obtient de la musique de l'angklung en le secouant, faisant ainsi claquer les résonateurs de bambou sur les montants. Chaque instrument produit ainsi deux ou trois notes. Il est souvent disposé en série croissante si bien qu'au lieu d'avoir un ou deux instruments par musicien, ce dernier pourra en manipuler plusieurs dizaines. Généralement, trois personnes ou plus ont un angklung dans leurs mains, qui produisent des sons sur différents tons. De cette façon, il est possible de jouer une mélodie pentatonique complète.

L'un des pionniers de la lutherie expérimentale en France, le musicien et musicologue  Robert Hébrard, s'est intéressé aux possibilités musicales de l'angklung. Après plusieurs séjours d'études musicales à Bali, Robert Hébrard abandonne l'enseignement de la philosophie pour se consacrer uniquement à la musique : facture instrumentale, enseignement, composition, concerts. Au croisement des traditions d'Afrique, d'Indonésie et d'Europe, il crée une famille de percussions mélodiques en bois, bambou, pierre, peaux et parfois métal.

C'est dans ce même esprit qu'a été conçu l'Orgue à angklungs, un instrument original qui permet à un musicien soliste, contrairement à l'angklung originel, de jouer tous les répertoires possibles, sur une gamme chromatique couvrant 3 octaves. L'instrument chante comme un orgue bien qu'il n'ait aucune soufflerie et que le son soit produit par une pluie de petites percussions. Les photos qui suivent ont été prises lors d'une rencontre avec Robert Hébrard dans le Village Musical de Ribambelle à Rennes-le-Château pour la préparation du livre Chercheurs de sons. Le dessin de l'Orgue à angklungs tiré du même ouvrage est de Vincent Brunot.

Si vous habitez Lyon ou si vous passez par là, n'oubliez pas d'aller visiter l'atelier de Lionel Stocard, (dont j'ai déjà eu l'occasion de parler ici-même). Du 10 septembre au 10 octobre, l'artiste ouvre les portes de son antre. Une occasion unique de découvrir ou de redécouvrir des objets sonores le plus souvent inspirés par le rêve.

Révibracléide

Gaston Lagaffe est de retour ! Et même si les planches rassemblées dans ce nouvel album, "Lagaffe en musique", édité par Marsu Productions,  ne sont pas inédites, c'est toujours un plaisir de retrouver le roi des gaffeurs dans ses oeuvres, surtout si comme ici elles sont inventives et  musicales.

Le gaffophone est bien sûr à l'honneur mais on rencontre aussi des inventions moins connues (sauf des complétistes qui possèdent déjà l'intégrale des albums) comme le moteur à pistons et la porte à tambour.

Antoine de Caunes s'est fendu d'une préface dans laquelle il explique que pour lui  " Le gaffophone, c’est le rock tel qu’il fut perçu quand il débarqua en France : comme un vent de panique... " et il ajoute "« Et Gaston, (…) c’est le pape du rock ». Pour moi, il serait plutôt le grand frère de la lutherie sauvage et de  la musique expérimentale. Les planches sont classées par ordre chronologique et ont été recolorisées par Frédéric Jannin. Une citation en relation avec la musique est placée en exergue. En cadeau, sur le site de l'éditeur, on peut entendre deux chansons inédites en relation avec Gaston Lagaffe, interprétées par Yvan Delporte : "La morue aux fraises" et "Les Papous".

A l’occasion de la sortie de l'album "Lagaffe en musique", les lecteurs un peu musiciens peuvent envoyer leur version d’une des chansons (ou les deux) de Yvan Delporte (rédateur en chef de Spirou de 1956 à 1968), et les meilleurs reprises gagneront des ouvrages collector Gaston 1971 VO ainsi que de nombreux lots Pixi. Pour ce faire, envoyez vos MP3 à l'adresse concours@gastonlagaffe.com. Les gagnants seront avertis par email le 30 septembre 2012.